Algunas celebraciones son fugaces, otras traen resultados permanentes y tangibles. Con «El joven Picasso en París», una joya de exposición, el Museo Guggenheim juega en ambos lados.
Comisariada por la curadora de arte moderno y procedencia de Guggenheim, Megan Fontanella, esta exposición es una de las más de 30 realizadas en museos europeos y americanos como parte de «Picasso Celebration: 1973-2023», que fue realizada por el Museo Picasso-París en la ocasión. del 50 aniversario de la muerte del artista. Lo cierto parece ser que en el medio siglo transcurrido desde entonces, el legado del mayor artista del siglo XX sigue intacto, sigue influyendo en las nuevas generaciones de artistas y aún encierra misterios aún por descubrir por parte de los estudiosos y las nuevas tecnologías. .
El espectáculo Guggenheim alcanza todas estas marcas. El museo aprovechó la celebración como impulso para continuar el análisis (iniciado en 2018) y acometer la conservación de su cuadro de Picasso más conocido y querido: «Le Moulin de la Galette», de 1900, y devolver este seductor cuadro, El trabajo refrescó sutilmente la pieza central del «Joven Picasso».
Como muestra Picasso, tiene una ligereza particular. Por un lado, solo contiene 10 obras. Pero también se siente aliviado por la historia de la vida opresiva, inolvidable, a menudo perturbadora del artista, de la que aún no había mucho. Esto nos da a Picasso antes de que fuera Picasso, que era esencialmente Picasso antes de conocer París.
Hasta allí había viajado en tren desde Barcelona con su amigo, el poeta y pintor español Carles Casagemas, para visitar la Exposición Universal, que llegaba a su fin. Quería ver un cuadro suyo colgado en el pabellón español. Se trata de «Últimos momentos» de 1898, que volvió a pintar en 1903 como «La Vie», un punto culminante de su período azul.
Pero la gran misión de Picasso era respirar en París -la capital del siglo XIX en palabras de Walter Benjamin- y hacer un curso intensivo de pintura francesa moderna. Durante la visita, trabajó duro en estudios compartidos con otros artistas y, a menudo, con sus modelos. Y saborea con voracidad todo lo que la ciudad tiene para ofrecer a un joven artista con un talento aterrador, ambicioso, curioso, sociable pero provinciano. Visitó museos para ver obras de arte más antiguas y galerías para conocer las últimas novedades. Participó en la glamorosa vida nocturna bohemia en cafés, cabarets y salones de baile, de los cuales «Le Moulin de la Galette» fue el más famoso.
Y va conociendo gente, primero artistas y escritores españoles, algunos de los cuales conoció en Barcelona, y un creciente círculo de parisinos a medida que aprende francés.
En el Guggenheim, “Le Moulin de la Galette” ocupa un lugar destacado en una gran galería pintada en un azul oscuro ligeramente frío (en temperatura). Reinando en una magnífica soledad desde una de las paredes más largas, esta seductora vista de gran angular muestra un salón de baile lleno de gente hermosa, mujeres elegantemente vestidas y hombres corpulentos, bailando, bebiendo e intercambiando bromas o chismes mientras sus ojos se desvían, quizás buscando el tema mismo de la discusión. Es relativamente tranquilo, Picasso también pintaría bailarinas de cancán, pero no ahora, una multitud suave y sofisticada pintada por un artista que entendió completamente sus modas, su lenguaje corporal y sus relaciones interpersonales.
También lo muestra reflexionando sobre los estilos de pintura de sus mayores: Renoir, Toulouse-Lautrec, el ilustrador nacido en Suiza Théophile Steinlen en particular. Podría agregar un toque de Seurat, para dar cuenta de las formas clásicas suaves e imperturbables de la clientela del salón de baile.
La oscuridad ambiental, en la que los abrigos negros de los hombres se alternan con los sutiles colores y tejidos de la ropa de las mujeres, algo debe al amor de Picasso por Velázquez y Goya. Pero los colores que brotan de sus sombras se iluminan en varias de las otras pinturas: en el crudo puntillismo de «Mujer de perfil» y «Cortesana con sombrero», y las zonas planas de «Los comensales» -en particular el banco rojo en la que están sentadas las parejas que no coinciden. En el desfile del ’14 de julio’, el único atisbo de luz del día aquí, los toques de rojo, blanco y azul sugieren un impresionismo vanguardista.
La integridad y complejidad – el increíble crecimiento acelerado – de «Le Moulin de la Galette» no puede subestimarse. Es una de las primeras pinturas que hizo Picasso en París, la obra maestra de esta inmersión transformadora de dos meses. También fue el primer Picasso en ingresar a una colección francesa, vendiéndose rápidamente a través de la comerciante de arte Berthe Weill, cuyo papel en el descubrimiento de Picasso a menudo se pasa por alto, al editor y coleccionista progresista Arthur Huh.
«Le Moulin de la Galette» ha estado fuera de la vista desde noviembre de 2021. Su cuidadosa conservación ha sido dirigida por Julie Barten, curadora en jefe de pinturas del museo, con aportes de Fontanella. Al igual que los médicos, el juramento del restaurador es no hacer daño, o más precisamente, no hacer nada irreversible. Solo comienzan un proyecto después de llegar a un consenso basado en discusiones con colegas: historiadores del arte, curadores y restauradores de su propio museo y de otros museos.
En más de un sentido, toda esta conversación tiene que compensar algunos de los aspectos artesanales, intrínsecamente solitarios y angustiosos del trabajo del curador. Así fue como Barten se aventuró en la limpieza minuciosa de la superficie del cuadro, utilizando trozos de algodón y papel húmedo para quitar una capa de mugre, luego una capa de barniz amarillento que se había aplicado hace un tiempo, pero seguro que no por Picasso. .
Un componente cada vez mayor de la conservación es la recopilación y el análisis de datos por parte de investigadores científicos que utilizan instrumentos de alta potencia, generalmente en respuesta a preguntas específicas de los conservadores. En este caso, la ayuda esencial provino de investigadores del Museo Metropolitano de Arte y la Galería Nacional de Arte.
Generalmente, estos esfuerzos combinados limpiaban la superficie de la pintura, reviviendo sus colores y el resplandor de la lámpara de gas; expandió la profundidad de su espacio atmosférico e hizo ciertas formas (los sombreros de copa, la jarra y los vasos sobre la mesa) más completamente dimensionales al tiempo que revelaba algunas de las modificaciones que Picasso hizo en el curso de su trabajo.
Uno es el montón oscuro en el borde inferior de la pintura, lado izquierdo, que parece abrigos apilados en una silla en la mesa vestida de blanco. Una vez allí descansó un King Charles Spaniel de pelaje castaño rojizo, con un lazo bermellón y mirando en nuestra dirección. La mesa también acomodaba una segunda silla vacía.
Uno de los aspectos más destacados de la exposición es un vigoroso dibujo a lápiz y carboncillo de 1900 de una colección privada en Europa que se muestra en este país por primera vez. Es como una gran instantánea, una especie de selfie grupal, que muestra a Picasso y sus amigos despidiéndose de la Exposición Universal. Con los brazos atados, sus cuerpos y extremidades se inclinan y se superponen en diferentes direcciones y tonos de negro. Se ven alegres y burlescos, ya sea por la embriaguez o por la emoción de ver la pintura de su joven amigo expuesta al público en París. El talento de Picasso para la caricatura es evidente en el friso ingobernable, el coro de camaradas vadeando. El King Charles spaniel en el primer plano de esta escena escapó del borrado.
Las excepciones al enfoque de la exposición en la vida social parisina y sus habituales son dos intensos autorretratos de 1901, cuyos primeros meses Picasso pasó en Madrid y luego en Barcelona. (Había regresado a su ciudad natal, Málaga, por Navidad y para ver si un tío podía pagar su servicio militar obligatorio). El autorretrato más antiguo puede datar de esta época. Muestra a un artista exagerando su famosa mirada intensa y ardiente en medio de un fondo oscuro de pinceladas casi expresionistas que rodean su rostro con un aura azul.
El segundo autorretrato data de los últimos meses de 1901, tras su regreso a París a mediados de mayo para preparar su primer solo parisino en la galería de Ambroise Vollard. Esta vista de tres cuartos muestra al artista, inhalando su poderosa personalidad. Son todas zonas autónomas: el fondo azul plano que tiende al color de la pared de exposición; su expresión pálida, algo sombría pero vacilante y la sólida losa oscura de su abrigo. Se parece un poco a un capitán a punto de hundirse con su barco.
Estas dos pinturas abren la puerta a la primera fase o estilo que Picasso podría llamar propio: su Período azul, que se aleja de los colores y estados de ánimo más vivos de sus primeras pinturas parisinas. Introduce un modo figurativo más original, a pesar de las deudas con El Greco y el simbolismo, y se vuelve hacia adentro, hacia la melancolía y la privación que reflejan el temperamento inherente de Picasso, la pobreza persistente y el duelo por la muerte de su amigo Casagemas, quien se suicidó en París en febrero de 1901, mientras el artista se encontraba en España. Este inquietante autorretrato cierra efectivamente el telón de la primera degustación hirviente de Picasso de la Ciudad de las Luces.
El joven Picasso en París Del 12 de mayo al 6 de agosto, Museo Guggenheim, 1071 Fifth Avenue, Manhattan, (212) 423-3500; www.guggenheim.org.
