Hace muchos años trabajé como vendedor en Hugo Boss en el Beverly Center de Los Ángeles. Vendí la gama de cosas que ofrecía la tienda: equipaje, accesorios, ropa interior, ropa. Pero lo que más disfruté vendiendo fueron los trajes de hombre, porque un buen traje suele ser transformador. Un hombre entraría en la tienda con un aspecto olvidable y luego, después de ponerse un traje azul marino bien cortado, de dos botones, de una sola botonadura y con una solapa de pico, luciría consumado, experto. Entra en lo nuevo»Moda Africana” en el Museo de Brooklyn, sentí que estaba presenciando algo maravilloso, algo más sorprendente que un simple restyling de un individuo. Fui transportado a la era histórica cuando casi todo el continente estaba abandonando su dominación colonialista y el atuendo asociado y penetrando el escenario mundial se estaba transformando.
Marcando este cambio radical desde el principio, un muro presenta una cronología de textos documentales y fotografías que detallan los momentos importantes de las luchas de liberación de África en el siglo XX. Los monitores de video muestran imágenes de ceremonias clave, como la formación de la República de Ghana en 1957. En una pared adyacente se encuentran las banderas de los 54 países de África, se explican sus insignias y heráldica. La exposición parece bastante voluntariamente anclada en la historia de los movimientos independentistas; cristina checinskael curador que dirigió el equipo que organizó la exposición original en Museo de Victoria y Alberto en Londres afirmó esto, diciendo que para ella era crucial que los espectadores entendieran que la prenda tiene «una dimensión política».
En el catálogo de la exposición, Checinska escribe que Túnez y Marruecos se liberaron del control francés en 1956 y, un año después, Ghana se liberó de Gran Bretaña. Luego, en 1960, 17 países africanos se despojaron del dominio colonial, para inscribir esta era en los anales históricos como la «Año de África.“La radical reorganización social y política que tuvo lugar desencadenó un renacimiento cultural en todo el continente”, escribe Checinska. “La moda, la música y las artes visuales se inspiraron en tradiciones que alguna vez fueron marginadas, creando formas innovadoras que generaron autonomía en el futuro.
Creo que debe reconocerse que el autogobierno no siempre ha producido un liderazgo político sólido o políticas que hayan beneficiado a la mayoría de los ciudadanos, pero algunos países que alguna vez estuvieron encadenados por el dominio colonial han aprendido a valerse por sí mismos.
Este renacimiento y resurgimiento de prácticas y formas culturales autóctonas de los indígenas africanos juega un papel más amplio en la versión de Brooklyn de «Africa Fashion», según sus organizadores Ernestine White-Mifetu, curadora del Museo de Arte Africano, y Annissa Malvoisin, un becario postdoctoral aquí. Ahora incluye 300 objetos, incluidos alrededor de 130 prendas de vestir, textiles y joyas, y más de 50 obras de las colecciones del museo. Los comisarios de esta exposición han sumado otras imágenes documentales de los cuatro grandes festivales del continente en las décadas de 1960 y 1970: la Primer Festival Mundial de Artes Negras (FESMAN) en Dakar en 1966; Zaire 74 en Kinsasa, 1974; EL Festival Cultural Panafricano en Argelia (PANAF) en 1969; y el segundo Festival Mundial de las Artes Negras y Africanas (FESTAC) en 1977 en Lagos.
Aquí también hay una biblioteca improvisada con libros clásicos que examinan esta historia y su legado. Había fotos enmarcadas y colgadas en la pared de las actividades de FESTAC por Marilyn Nance, autora de «Last Day in Lagos», quien casualmente estaba de visita cuando entré. Estaba viendo una secuela de cuatro imágenes, que incluía a Stevie Wonder actuando con un traje blanco brillante con pantalones acampanados, en marcado contraste con las mujeres con vestidos de tela Kente cuidadosamente envueltos y los hombres con atuendos tribales que incluyen bandas decorativas en las piernas. Nance, originaria de Brooklyn, me dijo que unos 200 estadounidenses negros de Nueva York, incluida ella, viajaron a Lagos sabiendo que sería un evento muy importante.
Pude escuchar una de las otras formas en que esta iteración difiere del programa de V & A. La música me siguió mientras me movía de una galería a otra. Malvoisin explicó que eligió cuidadosamente una lista de reproducción, accesible a través de un código QR, que hace eco de canciones populares de cada época representada en el espacio de la galería: Chaabi, Pop árabe, Hip-Hop, Afrobeat, Highlife, Jazz, Kora y más géneros. (Solo se escucha una pequeña selección en el programa, así que use el enlace). Hay un tema de exuberancia que recorre la música que combina con la ropa y los accesorios que se exhiben.
Hay que decirlo: este salón es de una belleza exquisita, con textiles, complementos y prendas sorprendentes y curiosas. Apenas se espera una pulgada de este espectáculo o un cliché. La lección de historia continúa en las vitrinas de ropa con vitrinas que presentan imágenes de diseñadores clave de mediados de siglo: Kofi Ansah de Ghana, Chris Seydou de Malí y Shade Thomas-Fahm de Nigeria. (Thomas-Fahm tiene una túnica dorada dramática acentuada con cuadrados negros y galones amarillo oscuro. Nadie que la use puede ocuparse de sus asuntos sin previo aviso).
Más allá de estas pantallas hay un monitor que ofrece desfiles de moda actuales donde el espíritu innovador de esta época y lugar en África brilla incluso en colecciones aparentemente extraídas de fuentes europeas. Hay demasiados diseñadores para contar aquí todo el increíble trabajo, pero vale la pena mencionar al diseñador keniano. Amigo Doshi Shahen la sección Adorno, que imaginó una gargantilla de metal dorado y verde con una larga cola de cuero o tela que cae por la espalda de quien la lleva, en su colección La Sal de la Tierra.
En una ventana cercana, inzuki, una marca joven de Ruanda, presenta un collar de canasta tejida con bandas entrelazadas de color aguamarina, naranja oscuro, rosa intenso y más, claramente inspirado en el diseño de canasta tradicional. Aquí, lo cotidiano se transforma en extravagante. Esta sección se complementa con artefactos de la colección del Museo de Brooklyn, incluidos anillos de oro de las dinastías faraónicas y cuentas de principios del siglo XX del sur de África.
El espectáculo no fetichiza pero tampoco evita hablar de proceso. Hay un conjunto de maniquíes que muestran las tres etapas de un vestido, desde el modelo de papel cortado hasta el modelo de lienzo y la prenda terminada, por Katungulu Mwendwacuya línea Katush está diseñada en el estudio de su casa en Nairobi, Kenia. Arti Ifrah, que ganó el premio de ropa de noche Fashion Trust Arabia el año pasado y tiene su sede en Marruecos, fabrica prendas lujosas con un enfoque en capas, patrones, cortinas y materiales maximalistas. El diseñador sudafricano lukhanyo mdingi fabrica chaquetas y pantalones deportivos a juego para personas de género indeterminado en mohair afieltrado, lana y acrílico, con bufandas que se doblan como chales corporales.
Mezclado con un diseño lujoso está la fotografía callejera de artistas como Sara Waiswa, Trevor Sturman y Stephen Tayo, que muestran cómo se viste la gente en la calle y cómo sus estilismos no son menos imaginativos y atrevidos que la moda mejor dotada aquí. Está la fotografía de estudio de artistas de la prestidigitación, como los malienses Seydou Keïta y Malick Sidibé. ¿Cómo hubiera sido embarcarse en una carrera de documentación de esta belleza exploratoria al comienzo de un país completamente nuevo? Debe haber sido estimulante. Y todo esto me saludó incluso antes de llegar a la gran sala circular que termina el espectáculo.
En esta galería, alrededor de 40 maniquíes están equipados con una fascinante variedad de trabajos de diseñadores contemporáneos de toda la diáspora, como Eilaf Osmán, Papá Oppong, Hermano Vellies y su fundador aurora james, Christopher John Rogers, Y estudio uno ochenta y nueve en la sección que significa mostrar cómo África tiene una huella global. Según Marisa Guthrie, escribiendo para Ropa diaria de mujer«Las contribuciones de los diseñadores nacidos en África ya son evidentes en la industria de la moda, pero podría decirse que la exhibición es el primer reconocimiento completo de esta herencia».
El espectáculo está, en palabras de Checinska del V&A, «inspirado en el teatro de la moda con su potencial narrativo: la creación y representación de identidades a través de accesorios». Fue este potencial lo que me atrajo de la moda, la idea de que podía presentarme de una manera distinguida, que podía encarnar una elegancia que me había eludido hasta entonces. Pero con esta exposición, lo que está en juego es mucho más importante que una simple restitución de la identidad individual. Lo que une a los talentos de la moda representados en Brooklyn (y Londres) es una clara necesidad de ejercer una agencia política y estética que van de la mano.
La agencia no significa casi nada a menos que se exprese. Tener agencia es actuar en el mundo de acuerdo con las propias capacidades imaginativas e intelectuales. Realmente nunca he tenido que trabajar como vendedor para la marca de otra persona, la noción de diseño adecuado de otra persona.
Al final del programa, dado esto, volví a mirar más de cerca las fotos de Waiswa de gente en la calle participando en una «sociedad de ahorro», donde se intercambia ropa y música. En un retrato, una mujer tiene el cabello recogido hacia atrás en dos trenzas enrolladas y luce una blusa bandeau que consta de dos cinturones de cuero unidos. En el vientre lleva un fino cinturón naranja cerrado por una hebilla de pantera dorada. En una foto adyacente, tres hombres jóvenes visten una mezcla ecléctica de estampados y joyas con cuentas. Uno tiene un overol de rayas rojas y blancas; otro combina pantalones florales ombre con una chaqueta roja. El tercero combinó rayas horizontales con rayas verticales. Cuando trabajé en la venta al por menor de moda, nunca pensé que podría ser tan audaz, esta persona en mi estilo personal.
Este espíritu de innovación industriosa usando lo que está a la mano, y el implacable optimismo de lo que podría deparar el futuro, son evidentes a lo largo de la exposición. Lo que «Africa Fashion» entiende profundamente es que siempre ha sido importante no solo estar bien vestido, sino saber vestir bien.
Moda Africana
Hasta el 22 de octubre en el Museo de Brooklyn, 200 Eastern Parkway, Brooklyn, Nueva York; brooklynmuseum.org.
