La tierra de los valientes y los libres siempre ha sido bajista en cuanto a fronteras, quién entra y quién se queda fuera. Políticamente, sentimos esta tensión enormemente ahora. Y eso siempre ha sido evidente culturalmente, por ejemplo, en el tipo de arte que nuestros museos han traído a través de la puerta.
El Museo de Arte Moderno patrón largo pero esporádico de la colección de arte latinoamericano del siglo XX ofrece un calibre constructivo. Al principio favoreció el arte que parecía considerar como una especie de exotismo: folclórico, surrealista, prueba de que al sur de la frontera había un terreno salvaje y apenas moderno.
Después de la Segunda Guerra Mundial, con el intercambio cultural cada vez más utilizado como herramienta diplomática, el MoMA quería participar más en el nuevo arte latinoamericano, pero ahora el arte de un género que parecía hecho por «gente como nosotros», es decir, el trabajo que parecía llevar evidencia clara del ADN europeo, como la abstracción geométrica.
Luego, en la década de 1970, llegó la recesión mundial. Los mercados del arte quebraron. Y en la confusión, los muros comenzaron a desmoronarse cuando llegó la revisión de permisos llamada multiculturalismo – pro-diversidad, anti-esencialista.
Cada vez más, a medida que este episodio inicial de lo que a veces se llama posmodernismo retrocede en la historia, parece ser una de las horas más hermosas y germinales del arte del siglo XX. MoMA tardó mucho tiempo (décadas) en ponerse en marcha, pero está en camino a juzgar por «Memorias seleccionadas: arte latinoamericano contemporáneo del regalo de Patricia Phelps de Cisneros y más allá», una de las exhibiciones de colección de museo más conmovedoras que he visto en Nueva York en mucho tiempo.
En la década de 1970, Patricia Phelps de Cisneros, nativa de Venezuela y administradora del MoMA durante mucho tiempo, ya estaba interesada en el arte latinoamericano en un amplio espectro: arte indígena; obra del siglo XIX realizada por europeos que viajaron allí; artefactos coloniales híbridos; y la pintura y la escultura modernistas. En 2016, donó más de 100 obras modernistas al museo y hubo una muestra. Pero ya entonces había puesto su atención en el arte nuevo y en 2019 hubo un regalo aún mayor, el del trabajo contemporáneo, incluida la fotografía y el video.
Unas tres docenas de ejemplares, en su mayoría de las últimas tres décadas y complementados con préstamos, componen la muestra actual. Y juntos reflexionan -y reflexionan críticamente- sobre todas las categorías del arte latinoamericano que le interesaron desde un inicio.
Por ejemplo, la compleja historia del colonialismo, en gran parte borrada de la abstracción modernista, entra en juego en una de las primeras entradas de la exposición, “The Catherwood Project” del artista argentino Leandro Katz.
En la década de 1840, el artista inglés Frederick Catherwood viajó dos veces a América Central e hizo dibujos de las ruinas mayas allí. Publicado como impresiones, Sus imágenes le dieron al público europeo una primera mirada a estos monumentos antiguos y establecieron una visión romántica del «Nuevo Mundo» que persiste en el autobús turístico de hoy. En su serie «Catherwood». Katz considera la precisión de estas imágenes a través de comparaciones in situ: se fotografía sosteniendo las imágenes del ilustrador frente a los monumentos mayas que representan. Katz nota las manipulaciones de Catherwood, pero también entiende que inevitablemente agrega su propia visión distorsionada del siglo XX a una historia perceptiva en capas.
La cultura indígena, crucial pero poco reconocida por el modernismo europeo, se menciona varias veces en el programa. En 1996, el artista nacido en México Laura Anderson Barbata pasó tiempo con Los Yanomami en la Amazonía venezolana aprendizaje práctico sobre la selva tropical, cómo crearon sus gráciles canoas. A cambio de esta enseñanza, ella les enseña a hacer papel. Vemos los frutos de la reciprocidad en la exposición: en una fotografía, que Barbata tituló “Autorretrato”, de un barco esculpido a mano de pie como si tuviera vida propia; y en dibujos fluidos de la flora y fauna amazónica por el la artista Yanomami Sheroanawe Hakihiiwe, todo hecho en papel de fibra hecho a mano.
Algunos artistas hacen algo hábil y divertido a partir de la tradición. EL artista mexicano gabriel kuri juega con las nociones de valor, trabajo y cultura de consumo en su imagen tejida en la artesanía de un recibo de supermercado. Lo mismo ocurre con el colectivo de Puerto Rico llamado Las Nietas de Nono. formado por dos hermanas (Mulowayi Iyaye Nonó y Mapenzi Chibale Nonó) que, aisladas durante la pandemia, han transformado su día a día en una especie de picnic de cazadores-recolectores de vuelta a lo básico.
Lo que se toma en serio es algo con lo que la mayoría de las artes occidentales tradicionales ya no saben qué hacer, pero que la multiculturalidad ha respetado notablemente: la espiritualidad. En una pintura de 2020 de la artista dominicana Firelei Báez, una poderosa deidad femenina afrocaribeña baila y se eleva sobre un mapa europeo del océano Atlántico del siglo XVI.
Y en dibujos a lápiz, la artista colombo-coreana Gala Porras Kim documenta cientos de fragmentos textiles dejados hace siglos como ofrendas del templo al dios maya de la lluvia y que ahora se encuentran en un museo etnológico de la Universidad de Harvard. La exhibición incluye una carta que el artista le escribió al director del museo pidiéndole que libere las ofrendas de su prisión de registro y permita que se conviertan en polvo como pretendían sus donantes. Su carácter perecedero, argumenta, es lo que los hizo poderosos.
El tema del cambio y la inestabilidad, aquí a menudo enmarcado como pérdida, es uno de los hilos principales del espectáculo, y uno complicado. Históricamente, la pérdida puede ser violenta, como sugiere una obra feroz de la siempre deslumbrante artista de performance guatemalteca Regina José Galindo. Para un trabajo de 2010 titulado “Saqueo”, que trata sobre las depredaciones extractivas del colonialismo europeo en su tierra natal rica en minerales, hizo que un dentista en Guatemala colocara ocho de sus dientes con empastes de oro extraídos localmente y luego le pidió a un segundo dentista en Europa , para retirar los empastes, que se exponen como arte en una vitrina.
Muchos libros sobre pérdidas tienen, como el suyo, una carga política. Un video corto titulado “Antropología Negra II” de 2014 de Paulo Nazareth es una. El artista descansa allí, semienterrado bajo montones de cráneos y huesos humanos, los restos de prisioneros afrobrasileños que encontró almacenados en un museo policial en Bahía.
En una fotografía de 1989 titulada «Las dos Fridas», activistas gay chilenos Francisco Casas Silva Y Pedro Mardones Lemebel (1952-2015), posan, sin camisa y con falda, sus cuerpos conectados por un tubo intravenoso, en un riff de la era del SIDA en el famoso autorretrato doble de Kahlo.
Su foto se puede leer como un tributo a la asociación, artística o emocional, o ambas. ¿Se puede armar una pequeña escultura juguetona a partir de un escritorio, un par de tijeras de jardín y una sola rosa, dedicada a un amigo, un amante? — por el escurridizo erudito venezolano claudio perna (1938-1997).
Hay una vibra conmemorativa en esta pieza, como en un video de 2009 que en realidad fue concebido como un gesto de duelo por adelantado por el artista uruguayo. Alejandro Césarco. Titulado «Memoria presente» (2010), es un retrato mudo del padre de Cesarco, médico, realizado poco después de que le diagnosticaran un cáncer de pulmón terminal. Vemos al hombre mayor, con su traje elegante y su bigote extravagante, sentado impasible en su oficina y visto repetidamente desde diferentes ángulos, como para fijar sus rasgos en nuestras mentes. Luego la cámara escanea la habitación, ahora vacía. Se fue.
Aquí se destila un tono fundamental de la exposición -curada por Inés Katzenstein, curadora de arte latinoamericano del MoMA y directora del Instituto de Investigaciones Cisneros, y Julia Detchon, asistente curatorial-: una especie de constatación de la realidad inquieta, irónica, una una melancolía que parece bastante distinta de la utopía que suele atribuirse al arte latinoamericano a partir de la pintura abstracta geométrica que, hasta hace poco tiempo, lo ha definido en muchas colecciones de museos norteamericanos.
De hecho, la abstracción geométrica está presente, aunque de forma ambigua, en «Memorias elegidas», en forma de mural in situ del artista brasileño Irán del Espíritu Santo. Compuesto en su totalidad por líneas verticales en sutiles tonos de gris, la pintura es difícil de ver al principio, como una sombra pasajera o una mancha oscura. Parece tanto manchar la pared blanca de la galería como disolverla, ya sea como una ayuda para la meditación o como un error. Titulado “En Passant” y encargado para la ocasión, desaparecerá físicamente una vez que termine el espectáculo, pero permanecerá vívido en idea, como gran parte del resto de lo que está aquí.
Memorias seleccionadas: arte latinoamericano contemporáneo del regalo de Patricia Phelps de Cisneros y más allá
Hasta el 9 de septiembre, Museo de Arte Moderno, 11 East 53rd Street, (212) 708-9400; moma.org.
