Pocos pintores han usado el color con tanta fuerza o de manera tan diferente como Bob Thompson, el destacado artista estadounidense que nació en Louisville, Ky., en 1937, y murió en Roma al borde de su 29 cumpleaños en 1966, agotado por la enfermedad. salud, adicción a las drogas y una ética de trabajo aparentemente implacable. Pero Thompson nunca dudó de su talento y tenía un apetito voraz por la cultura en muchas formas: frecuentaba a los poetas Beat de Nueva York y sus músicos de free jazz, así como a una amplia gama de artistas. Su carrera duró apenas ocho años, pero dejó tras de sí varios cientos de pinturas, dibujos y estudios al óleo, una horda fabulosa cuya magnitud aún se desconoce.
El arte de Thompson se nutrió sobre todo del canon de la pintura europea. De Giotto a Manet, se apropió, subvirtió y transformó sus obras maestras por el simple hecho de refundir sus figuras y, a veces, sus paisajes en colores saturados que siguen siendo tan contemporáneos como siempre y funcionan de una manera más narrativa, espacial, psicológica y política. y retinal que los colores generalmente.
Algunas obras son bastante fieles a los originales en su composición; en otros lugares, Thompson se tomó libertades de todo tipo. Las adiciones frecuentes incluyen grandes siluetas de pájaros monstruosos que protegen, amenazan o atacan, física o espiritualmente. A veces, las figuras humanas agarran a los pájaros por las patas, sosteniéndolos en alto, como trofeos o armas.
Desde 1998, ha habido dos grandes oportunidades para estudiar la grandeza de Thompson: ese año, Thelma Golden, ahora directora y curadora en jefe del Studio Museum of Harlem, y Judith Wilson, la principal académica de Thompson, organizaron una retrospectiva en el Museo Whitney. , quien lamentablemente no viajó. En 2021, Diana Tuite fue curadora de una retrospectiva en el Colby College Museum of Art en Waterville, Me., que viajó a Atlanta, Chicago y Los Ángeles, pero se saltó Nueva York. De alguna manera, ningún museo de Nueva York vio la exhibición de Colby como una oportunidad para evaluar el mundo del arte cada vez más diverso, con personas de color y artistas femeninas cada vez más visibles, surgió en la brecha de casi un cuarto de siglo entre los dos espectáculos.
Esta primavera, Nueva York tuvo un importante premio de consolación: un total combinado de 30 pinturas de Thompson de 1959 a 1966 presentadas por dos galerías cuyos estilos de casas y estructuras financieras notablemente diferentes forman un subtexto interesante por derecho propio: la vieja escuela versus la nueva escuela.
El espectáculo más glamoroso es, como era de esperar, cortesía de una mega galería. Está en 52 Walker, un espacio de TriBeCa creado por la franquicia global de David Zwirner en 2021 para centrarse en artistas conceptuales y basados en la investigación, en palabras de un comunicado de la galería. Su director fundador es el comerciante Ebony L. Haynes, quien también organizó el Salón Thompson. Con la intención de funcionar más como un kunsthalle, o espacio alternativo, que como un piso de ventas, 52 Walker fue un movimiento inteligente: cuatro de sus 14 pinturas provienen de museos y el resto de colecciones privadas, y no están a la venta.
el show de los 52 caminantes, «Bob Thompson: Así que todos seamos ciudadanos», tiene una seriedad de museo con el arte en un espacio espacioso con paredes pintadas de un suave azul oscuro que compensa la agresividad de la paleta de Thompson.
La mayoría de las pinturas son grandes o cercanas. Los aspectos más destacados incluyen dos obras tempranas: pinturas expresionistas oscuras de 1960 en deuda con Gauguin, ‘Wagadu’ y ‘The Gambol’. También indican que la obra de Thompson desde 1958 hasta principios de 1961, cuando realizó su primer y más largo viaje a Europa, merece una exposición por sí sola. También de 1960 es «Bacanal», cuya superficie ligeramente cepillada y violento tumulto de figuras reflejan la velocidad de crecimiento de Thompson en este punto.
Dos pinturas de 1964 del Museo Whitney son condenatorias. “Una alegoría” encanta con el friso de un majestuoso carruaje cuyos pasajeros son vigilados por un gran pájaro azul; detrás de ellos, la extensión de la tierra, el agua, las islas y el cielo es impresionante. Todas las nubes, excepto las de estilo expresionista abstracto, hacen eco de los escenarios de las pinturas del Renacimiento. El “Triunfo de Baco” empuja hacia adelante a una banda ronca de celebrantes (personas, animales, pájaros) en colores ardientes, compensados por el verde. Dos elefantes de color azul violáceo intenso y la silueta naranja brillante de una jirafa enriquecen la paleta y recuerdan que Baco se detuvo en la India. El pequeño estudio casi idéntico de Thompson para esta pintura, en el Museo Hirshhorn, se titula «El triunfo indio de Baco (después de Poussin)».
Por coincidencia más que por colaboración, «Bob Thompson: Agonía y éxtasis» se puede ver en la Galería Michael Rosenfeld en Chelsea. Este establecimiento veterano con una ubicación ha representado la finca de Thompson desde 1996, la posee desde 2019 y ha presentado seis solos de la obra del artista. El espectáculo de Rosenfeld es más íntimo, gracias a una gran cantidad de diseño enérgico y otros materiales, pero también reveladoramente más irregular.
Las cosas se vuelven siniestras en algunas piezas, como «Sin título (La prueba de la cruz)» de 1963, que toma su tema de Piero della Francesca. Algunas de las figuras arrodilladas parecen extraterrestres, pero más siniestras son las tres enormes aves que se elevan sobre la escena y otra que se asoma desde la derecha.
A veces puedes imaginar al artista mirando una pintura y diciendo: “Está bien. Está hecho lo suficiente. Al siguiente. “En “Le Cirque” (1963), dos grandes pájaros (verde y azul) presionan contra dos musculosas figuras masculinas (roja y amarilla). ¿Es un acto de circo? ¿Luchadores en parejas preparándose para un combate? ¿Dos músicos luchando con sus demonios internos? Una vez que estos personajes están en su lugar, Thompson llena rápidamente el fondo, pero con un estilo relajado que no se ve a menudo en su trabajo. Los círculos y puntos en verde, negro y rosa me recordaron al papel pintado vuillardiano; luego supe que eran más bien abreviaturas para una multitud de oyentes.
Gauguin también se menciona aquí. Au centre de « La mise au tombeau » à l’envers – une autre œuvre à la surface brossée de 1960 – la moitié inférieure jaune d’un corps pourrait appartenir au Christ jaune de Gauguin, bien qu’il semble avoir été remplacé par une Ella. Hay un verdadero giro espacial en “Untitled (Oh Lawd!)” (1963), una especie de Piedad al revés. La figura materna aquí parece ser un Cristo rojo, cuyos brazos rechonchos se asemejan a una cruz, sosteniendo a una mujer amarilla en su regazo.
El legado de Thompson es complejo. Sus escenas llenas de acción y formas irregulares pueden hacer que el color sea más intenso y activamente retiniano que en la mayoría de las pinturas abstractas. Junto a artistas como William H. Johnson, Stuart Davis, Nellie Mae Rowe y Robert Colescott, su trabajo sentó un precedente para muchos pintores figurativos jóvenes que utilizan paletas de colores intensos. Thompson abrió enfáticamente el pasado como un recurso vivo al tiempo que reclama uno de los pináculos de la cultura occidental masculina blanca para el uso futuro de otros. Las composiciones prestadas eran para él ready-mades, armaduras. Al igual que sus superficies impacientes y simples, le ganaron un tiempo que se negó a perder hasta el último minuto.
Bob Thompson: agonía y éxtasis
Hasta el 7 de julio, Michael Rosenfeld Gallery, 110 11th Avenue 212-247-.0082; michaelrosenfeldart.com.
Bob Thompson: Así que todos seamos ciudadanos
Hasta el 8 de julio, 52 Walker Street, (212) 727-1961; 52walker.com.
